Lotte Reiniger brachte mit DIE ABENTEUER DES PRINZEN ACHMED (1926) den ersten abendfüllenden Silhouetten-Animationsfilm der Welt ins Kino. Sie ist damit in der Filmgeschichte die eigentliche Pionierin des Trickfilms vor Walt Disney. Die aktuelle Sonderausstellung des Filmmuseums „Animation und Avantgarde – Lotte Reiniger und der absolute Film“ widmet sich dem Werk der Trickfilmpionierin und stellt dieses erstmals der deutschen Filmavantgarde gegenüber. Denn die ersten Silhouetten-Animationsfilme von Lotte Reiniger entstanden unter dem Einfluss des Expressionismus und der Filmavantgarde der 1920er Jahre in Deutschland. In dieser Zeit entwickeln sich im deutschen Film experimentelle Formen: Walter Ruttmann, Viking Eggeling oder Oskar Fischinger erschaffen mit abstrakten Form- und Farbspielen den „absoluten Film“. Mit Walter Ruttmann arbeitet Reiniger später an DIE ABENTEUER DES PRINZEN ACHMED zusammen. Auch der Schauspieler und Regisseur Paul Wegener ist für sie ein wichtiger, früher Einfluss.

Die Sonderausstellung zeigt die weltweit noch einzig erhaltenen Originalfiguren aus dem Film DIE ABENTEUER DES PRINZEN ACHMED, dazu Dokumente, Fotos und Entwürfe aus dem Nachlass Lotte Reinigers. Formale Bildvergleiche mit effektvoll hinterleuchteten Szenenfotos des ACHMED-Films mit Werken des Expressionismus und der Avantgarde zeigen verblüffende Berührungspunkte. Auf Großleinwänden sind Filmausschnitte zu allen Themen der Ausstellung zu sehen, an einem eigens entwickelten interaktiven Tricktisch können die Besucher selbst Silhouettenfiguren animieren.

Parallel zur Ausstellung läuft in der Black Box eine umfassende Filmretrospektive. Das gesamte Filmprogramm mit allen Terminen finden Sie übersichtlich im Flyer Lotte Reiniger

Zur Ausstellung ist ein umfangreicher, großzügig bebilderter Katalog und ein Bildband mit den Abbildungen vieler Originalfiguren aus Reinigers Filmen erschienen. Beide sind im Museumsshop erhältlich.

Die Ausstellung ist in Kooperation mit dem Stadtmuseum Tübingen entstanden, in beiden Häusern werden Teile des Nachlasses Lotte Reinigers aufbewahrt. Dabei ist Reiniger dem Filmmuseum in besonderer Weise verbunden: Im September 1980 gestaltete Reiniger anlässlich der Filmausstellung Lichtträume und Schattenbilder ihren letzten Film DIE VIER JAHRESZEITEN live vor Publikum.

Nach dem Zweiten Weltkrieg, als die deutsche Filmwirtschaft ihr Zentrum in Berlin aufgeben musste, verteilte sich die Produktion auf andere Städte im Westen des Landes, unter anderem auch auf die Stadt Düsseldorf. In den 1960ern profiliert sich Düsseldorf auch als Standort für Dokumentar-, Werbe- und Imagefilme. So drehte beispielsweise Charles Wilp 1968 die legendären Afri-Cola-Spots in Düsseldorf.

Seit ihrer Gründung im Jahr 1991 hat die in Düsseldorf ansässige Film- und Medienstiftung NRW über 1.800 Filmprojekte gefördert („Das Wunder von Bern“, „Lola rennt“, „Good Bye, Lenin!“) und ist einer der größten Filmförderer Europas. Seit jeher ist Düsseldorf zu einem beliebten Drehort für Kinofilme und Fernsehserien geworden.

Begleitend werden in der Black Box ausgewählte Filme vorgeführt, die in Düsseldorf gedreht wurden. Welche Stadtteile besonders in den Fokus geraten, wie sich die Stadt im Laufe der Zeit optisch verändert hat und welche Rolle der Drehort für den jeweiligen Film hatte, kann dabei eingehend untersucht werden.

Als besondere Attraktion lassen Nachbauten der Filmsets aus „Metropolis“ und „Blade Runner“ die Besucherinnen und Besucher in die spektakulären und gleichzeitig bedrohlichen Zukunftswelten eintauchen. Zahlreiche Requisiten, Fotos, Entwürfe, Drehbücher und andere Materialien – nicht nur zu diesen Filmen, sondern auch aus vielen anderen Science-Fiction-Produktionen – werden ebenfalls präsentiert. Außerdem ist ein Modell des „Raumschiffs Enterprise“ zu sehen, welches von Erfinder Gene Roddenberry als im Weltraum reisende Stadt konzipiert worden war. Begleitet wird die Ausstellung durch eine umfassende Filmreihe in der Black Box, sowie durch thematische Einführungen und Vorträge.

Themenbereiche der Ausstellung

Der Blick in die Zukunft ist eines der beliebtesten Motive im Film, namentlich im Genre der Science-Fiction. Viele Science-Fiction-Filme befassen sich mit Städtevisionen der Zukunft, sie sind diesbezüglich Teil der cineastischen Erfahrungswelt des Zuschauers und brechen sich auf spannende Weise mit seiner Realwelt. Dies zieht sich von Filmen wie "Metropolis" über "Fahrenheit 451" bis hin zu zeitgenössischen Filmen wie "Blade Runner", "Minority Report" oder „Cloud Atlas“ durch. Der Außenraum spiegelt dort zumeist die aktuelle gesellschaftliche Verfassung. Während Filme bis etwa 1950 häufig durchaus positive Visionen zufriedener Menschen in futuristischer Umgebung zeigen, neigen die Filme ab den 1960er-Jahren dazu, den Blick in die Zukunft eher als Dystopie zu behandeln.

Die Darstellung der Stadt der Zukunft im Film war eng gebunden an die jeweilige Entwicklung von Technik und Wissenschaft. In den 1920er-Jahren, in einer Phase der Fortschrittsgläubigkeit, entstanden Filme, die die Zukunftsentwicklung der Stadt als große Chance sahen, das Leben der Menschen humaner zu gestalten. Die Versöhnung der Ober- und Unterwelt in „Metropolis“ deutet dies an, aber auch Idealvorstellungen einer Stadt wie in „Things to come“. Bis in die 1950er-Jahre hinein gab es durchaus positive Stadtutopien wie etwa „The Fountainhead“, eine fiktive Biografie des Architekten Frank Lloyd Wright, die dem visionären Städteplaner regelrecht ein Denkmal setzt.

Seit Ende des Zweiten Weltkrieges, vor allem auch nach den Erfahrungen des Vietnamkrieges und moderner Massenvernichtungsmittel überwog die Skepsis in der Darstellung der modernen Stadt, sie wurde zum Inbegriff der negativen Auswirkungen der Zivilisation schlechthin. Die Verfilmung des Romans „Fahrenheit 451“ von Ray Bradbury zeigt eine freudlose, deprimierende Stadt, die als Gegensatz zur heilbringenden, mit positiven Kräften ausgestatteten Natur gezeigt wird. Ein Vorgriff auf die Straßenkämpfe in den Vorstädten vieler heutiger europäischer Metropolen ist Stanley Kubricks „A Clockwork Orange“, wo die Stadt der Zukunft gewissermaßen als verwahrloster Ort der Kriminalität gezeigt wird. Filme wie „Blade Runner“ gehen einen Schritt weiter: Dort wirkt die moderne Stadt wie ein Kriegsgebiet, das kaum noch betreten werden kann.

Großprojektionen, Studiosets, Bildwände und Plakate entführen ins Reich der Filmvampire. Die Besucher können den unheimlichen Nosferatu aus dem Film von Friedrich Wilhelm Murnau von 1922 erleben, der Maßstäbe für das gesamte Genre setzte. Außerdem lernen Sie den gefährlichen Charme der „Gentleman-Vampire“ Bela Lugosi und Christopher Lee kennen und auch die alltägliche Welt der Vampire in aktuellen Verfilmungen wie Vampire Diaries. Originalkostüme aus Filmen wie Shadow of a Vampire (2000) und Nosferatu (1979) zeigen, wie stark die Atmosphäre des Unheimlichen durch die Ausstattung unterstützt wird. Zahlreiche Produktionsdokumente zeichnen den Entstehungsprozess wichtiger Klassiker des Genres nach.

Die Ausstellung wurde u. a. unterstützt durch Leihgaben der Academy of Motion Picture Arts and Sciences, der Universal Corporation (beide USA) und des British Film Institute London.

Das Aufkommen des Kinos Ende des 19. Jahrhunderts bedeutete einen großen Sprung im System medialer Repräsentation und Wahrnehmung, die sich bereits seit vielen Jahrhunderten, vor allem aber seit den industriell geprägten, sehsüchtigen Zeiten des 18./19. Jahrhunderts vorbereitete. Thematisch legt die Ausstellung ein Hauptaugenmerk auf die optischen Bildapparate, die sich dem Zuschauer durch das Hilfsmittel des Lichtes erschließen bzw. nur dann ihren speziellen Effekt erzielen und die ab dem 17. Jahrhundert populär wurden.

Während der Ausstellung findet in beiden Häusern ein umfangreiches Begleitprogramm statt: Führungen, Vorträge, Laterna Magica-Präsentationen.

In der Ausstellung wird sichtbar, wie diese Bilder gerade auch außerhalb Amerikas große Anziehungskraft ausübten. Unterlagen die Deutschen dabei einer besonderen Faszination? Lag es ausschließlich an politischen, religiösen und wirtschaftlichen Hintergründen, dass sie zahlenmäßig den größten Anteil der Einwanderer aus der Alten Welt stellen sollten?

Der Mythos des amerikanischen Westens in Deutschland

Zu Umformungen des Mythos kommt es, wenn in Deutschland die Indianer idealisiert werden in ihrem Kampf gegen grausame weiße Siedler, so bei Karl May und in den Verfilmungen seiner Romane. Vor allem viele deutschstämmige Amerikaner hatten sich zuvor als Maler des amerikanischen Westens profiliert. Die Bildsprache der Westernfilme orientiert sich in großem Maße an diesen Vorbildern der klassischen Kunst. Später werden sich nicht nur deutschstämmige Regisseure dem Genre des Westerns widmen, in Deutschland selbst entstehen erfolgreiche Filmproduktionen.

Die Ausstellung präsentiert zahlreiche Exponate aus deutschen und amerikanischen Museen. Dabei werden Gemälde und Photographien Filmbildern gegenübergestellt, Filmrequisiten in Verbindung mit etwa 100 Filmausschnitten illustrieren die mediale Entwicklung des Mythos des Westens. Original-Gegenstände und Dokumente kontrastieren dazu die damaligen harten Lebensbedingungen der Siedler mit ihrer Verklärung durch den Mythos.

Begleitend zur Ausstellung wird im Kino Black Box des Filmmuseums eine umfangreiche Reihe mit ausgewählten Western-Klassikern laufen.

Die Ausstellung konfrontiert den Besucher mit einem nachgestellten Tatort-Szenario, ein Kripo-Büro vermittelt die Arbeitssituation der Kommissare, Verhörraum, Gegenüber-stellungswand und erkennungsdienstliche Erfassung wie Foto oder Fingerabdruck lassen in die Rollen von Tätern und Ermittlern schlüpfen.

Der „Tatort“ als deutsches Spielfilmgenre

Als am 27. November 1970 die erste Tatort-Folge mit dem Titel Taxi nach Leipzig ausgestrahlt wurde, ahnte man kaum, dass damit eines der erfolgreichsten Kapitel der deutschen Fernsehgeschichte aufgeschlagen wurde.

Das Konzept der Reihe sprengte den üblichen Rahmen: Von Beginn an ermittelten mehrere Kommissare in unterschiedlichen Regionen Deutschlands; die jeweilige Stadt prägte mit ihrer typischen Atmosphäre und Mentalität die Arbeit der Ermittler. Inhaltlich wurden regelmäßig, neben einem spannenden Plot, soziale Probleme und Missstände geschildert. So war und ist der Tatort auch stets Spiegel von Entwicklungen in der deutschen Gesellschaft.

Doch auch ästhetisch stellte die ARD von Beginn an höchste Ansprüche, so engagierte man für Tatort-Folgen vielfach renommierte Kino-Regisseure, andererseits gab man einer Reihe junger Nachwuchs-Filmemacher eine Chance, die später im großen Kino zu Ruhm gelangten. Hervorragende Schauspieler prägten und prägen einzelne Ermittler oder hatten Gastauftritte als deren zwielichtige Gegenspieler, andere begannen ihren Werdegang hier.

Begleitend zur Ausstellung, die vom WDR unterstützt wird, läuft in der Black Box, dem Kino des Filmmuseums, eine Reihe mit insgesamt 23 Tatort-Folgen zu sehen sein. Unter Schwerpunkten wie „Ausgezeichnet“ oder „Gegen den Strich“ werden Klassiker, aber auch außergewöhnliche und selten zu sehende Folgen präsentiert.

Anhand von Drehbüchern, Storyboards, Skizzen, Castingfotos und anderen Produktionsdokumenten aus dem Archiv der langjährigen Mitarbeiterin Polanskis, Sylvette Baudrot, zeichnet die Ausstellung das Bild eines detailbewussten Filmemachers, der sich auf jedes Projekt akribisch vorbereitet. Fotos von Dreharbeiten aus dem Bestand des Filmmuseums Lodz zeigen zudem, wie stark Polanski in alle Ebenen der Produktion involviert ist.

Die Ausstellung begibt sich auf die Spuren von Roman Polanskis Kindheit im Krakauer Ghetto und ruft seine frühe künstlerische Karriere als Kinderstar im polnischen Radio und auf der Theaterbühne ins Gedächtnis. Prägend für Polanski war sein Studium an der renommierten Filmhochschule Lodz. Seine dort entstandenen Kurzfilme sind ebenso zu sehen wie Zeichnungen und Notizen aus der Studienzeit.

True cinema is a film that has specific, independent, dramatic, and visual qualities. It has to be an object that can almost be physically touched, like a sculpture perhaps. The atmosphere of a film is the most important thing. (Roman Polanski)

Inszeniert wird eine Funduswerkstatt, die den Produktionsalltag von Kostümbildnern zeigt und Einblicke in die Arbeitsabläufe und Arbeitsvorgänge rund um das Filmkostüm vorstellt. Die Garderobe von dreißig deutschen und internationalen Stars wird in der Ausstellung durch eine Kombination von Kostümen und Filmszenen wieder "lebendig". Präsentiert werden unter anderem Originalkostüme der Theaterkunst getragen von Mario Adorf, David Bowie, Senta Berger, Horst Buchholz, Hannelore Elsner, Heino Ferch, Cornelia Froboess, Gert Fröbe, Marlene Dietrich, Hansjörg Felmy, Joseph Fiennes, Gustaf Gründgens, Corinna Harfouch, Curd Jürgens, Klaus Kinski, Sebastian Koch, Christopher Lee, Ruth Leuwerik, Kim Novak, Bernhard Wicki, Lilli Palmer, Sidney Rome, Winona Ryder, Maria Schell, Romy Schneider, Liselotte Pulver, Nadja Tiller, Peter Ustinov, Hanna Schygulla und Barbara Sukowa.

Die Ausstellung wurde von der Deutschen Kinemathek - Museum für Film und Fernsehen mit Unterstützung der Theaterkunst GmbH konzipiert.

Die weltweit erste Ausstellung über Sir Peter Ustinov, die mit Unterstützung seines Sohnes Igor realisiert werden konnte, zeigt ihn als einzigartigen künstlerischen Workaholic, zugleich als Verfechter eines humanistisch geprägten Common Sense.

Seine Arbeit als Schauspieler und Regisseur beim Film steht zwar im Mittelpunkt (Filme wie „Quo Vadis“, „Spartacus“ oder „Topkapi“ wurden Welterfolge), doch werden auch seine Arbeiten fürs Theater gewürdigt. In erster Linie sah er sich wohl als Autor, dies war die größere Herausforderung als die Schauspielerei. Die Ausstellung erinnert an Sir Peter als erfolgreichen Autor zahlreicher Bühnenstücke, Romane und Kurzgeschichten, zeigt ihn aber auch als Privatperson, u. a. mit einer Vorliebe für schnelle Autos.

Für die Ausstellung konnten zahlreiche Originalexponate aus dem Besitz von Peter Ustinov zusammengetragen werden. Neben Filmstills und Plakaten sind einzigartige Dokumente, etwa Briefe Peter Ustinovs an Schauspielkollegen, private Skizzen und Zeichnungen, Manuskripte und Privatfotos erstmals zu sehen. Auch an Video- und Hörstationen wird der Künstler Peter Ustinov noch einmal zu erleben sein.

Installationen wie eine kleine Bühne, übergroße Collagen seiner Porträts und seiner Buchcovers, Großprojektionen von Auftritten Ustinovs machen die Ausstellung zu einem lebendigen Event, das die Person des „Renaissance-Menschen“ den Besuchern eindrucksvoll nahe bringt, immer in Verbindung mit Ustinov-Zitaten, die leitmotivisch jeden der Ausstellungsbereiche begleiten. Zur Ausstellung läuft im Kino Black-Box des Filmmuseums eine Filmreihe.

Unzählige Filme erzählen seitdem von den verschiedenen Facetten des Todes: Friedrich Wilhelm Murnaus "Nosferatu" greift mit der Vampirgestalt das Motiv des Untoten auf, Alfred Hitchcock revolutionierte die kompakte filmische Darstellung eines Mordes in "Psycho", Peter Greenaways "Der Bauch des Architekten" evoziert durch formale Gestaltung Todesbilder, Quentin Tarantino lässt in "Deathproof" Leichenteile nur so herumwirbeln.

Die Ausstellung Die Kunst des Sterbens zeigt in großen Bildpanoramen, inwieweit die filmische Todesdarstellung aus einer Tradition klassischer künstlerischer Todesbilder vergangener Jahrhunderte wie Malerei, „danse macabre“, Literatur und Fotografie schöpft. Der Besucher begegnet lebensgroßen Figuren des personifizierten Todes wie Dracula, Frankenstein oder dem Vamp. Interaktive Stationen zeigen, wie der Film den Tod auch abstrakt darstellt: Man begibt sich an typische Orte des Todes wie die verödete Großstadt in „Batman“; hört Töne oder sieht Bildmetaphern, die den Tod ankündigen.

„Laterna Magica“-Bilder und Spielautomaten präsentieren vorfilmische Todesdarstellungen bewegter Bilder, ein Exkurs in Neuere Medien zeigt, wie Filmbilder ihrerseits andere Medien beeinflussen. Dazu sind zahlreiche Fotos und Plakate zu sehen sowie Merchandisingartikel, die gezielt mit dem Thema für Filme werben. Parallel zur Ausstellung läuft in der Black Box eine Filmreihe.

Die Grafiker-Elite der Zeit übernimmt die Gestaltung: Hans Hillmann, Heinz Edelmann, Jan Lenica, Gunter Rambow und andere. Ihnen wird vollkommene künstlerische Freiheit gewährt. Sie entwickeln einen eigenen Stil, der bald zum Markenzeichen wird und internationale Anerkennung findet.

Die Ausstellung FilmKunstGrafik begleitet die faszinierende Arbeit der Künstler von der ersten Idee bis zum endgültigen Konzept. Erstmals sind rund 300 Skizzen, Originalentwürfe und Storyboards aus Privatbesitz zu sehen, ebenso Filmausschnitte und Trailer. In exklusiv aufgenommenen Interviews erzählen Grafiker und Produzenten über die spannende Symbiose von Film und Design.

Die Ausstellung befasst sich bewusst mit einem Aspekt seiner Karriere, der bisher weitgehend unbeachtet blieb. Neben seinen Arbeiten auf nationalen und internationalen Kabarettbühnen profiliert sich Valentin schon früh als Experimentator der damals neuen Medien.

Er erkennt früh die Möglichkeiten, die ihm die nur wenige Jahre zuvor entstandene Kinematographie bietet. Noch zur Stummfilmzeit führt er Filme vor, die mit Toneffekten unterlegt sind. In seinem Nachlass befinden sich Aufzeichnungen zu einem „Heimkino“, einer Bildschallplatte als Vorläufer des Video-Clips. Mit seiner eigenen Werbefirma versorgt er Münchner Kinos mit originellen Dia-Shows. Valentin vollzieht bereits früh den Sprung zur Intermedialität. Er präsentiert seine Sketche als komische Spiele mit Medieneffekten auf der Bühne, im Film, auf Schallplatte und im Radio.

Die von Matthias Knop und dem Autor und Valentin-Experten Klaus Gronenborn konzipierte Ausstellung zeigt erstmals in vollem Umfang den Karl-Valentin-Nachlass, der in der Theaterwissenschaftlichen Sammlung der Universität Köln Schloss Wahn archiviert ist, dazu zeigt die Black-Box eine umfassende Filmretrospektive.

X Filme ist zunächst eine Plattform für die Arbeiten der Gründer. So entstehen Stille Nacht (1995) und Meschugge (1998, beide Dani Levy), Das Leben ist eine Baustelle (1997, Wolfgang Becker), Winterschläfer (1997) und Lola rennt (1998, beide Tom Tykwer). Ab 1999 entwickelt sich X Filme zu einer kreativen "Filmfamilie": Junge Regisseure wie Hendrik Handloegten (Paul is dead, 1999; Liegen lernen, 2003), Achim von Borries (Was nützt die Liebe in Gedanken, 2004) oder Sebastian Schipper (Absolute Giganten, 1999) stoßen ebenso hinzu wie die renommierten Oskar Roehler (Agnes und seine Brüder, 2004) und Andreas Dresen (Sommer vorm Balkon, 2005). Stars wie Franka Potente, Maria Schrader oder Joachim Kròl gehören zum Schauspielerstamm.

Die Ausstellung präsentiert den ungewöhnlichen Werdegang von X Filme zwischen den Spannungsfeldern Kunst und Kommerz, Experiment und Erzählkino, Realismus und Stilisierung. Nach mühsamen Anfangsjahren entsteht eine mittlerweile ausgezeichnet funktionierende Ideenschmiede. Filmhistorische Einflüsse wie der internationale Autorenfilm bestimmen ebenso die Kreativität der Regisseure wie ihr persönlicher Hintergrund: Mit Ausnahme von Wolfgang Becker sind alle Autodidakten. Filmbeispiele machen die Handschrift deutlich, die jeder X Film trägt.

Zudem ermöglicht die Ausstellung einen Blick hinter die Kulissen der Filmherstellung: Produktionsunterlagen zeigen die schwierige Arbeit der Finanzierung sowie des Marketings im heutigen deutschen Film auf. Für die erste Ausstellung über X Filme stehen dem Filmmuseum zahlreiche Exponate, Fotos, Plakate und Dokumente aus dem Besitz der Filmproduktionsfirma zur Verfügung. Kostüme aus den Filmen erzeugen Studioflair, auf Videostationen sind die wichtigsten Filme zu sehen. Produktionsunterlagen geben darüber hinaus Einblicke in die harte Realität der Filmherstellung.

Auch im internationalen Film machte Adorf Karriere. Das frühe Rollenklischee des ewigen Bösewichtes, das man ihm wegen seiner exotischen Aura angeheftet hatte, streifte er zunehmend ab und präsentierte sich souverän in so unterschiedlichen Genres wie Komödien, politischen Thrillern und anspruchsvollen Fernsehspielen.

Als begnadeter Erzähler fesselt der Autor Mario Adorf seine Leser seit fast 20 Jahren mit wahren und fast wahren Geschichten aus seinem Leben. Eine davon berichtet vom Beginn seiner Karriere als Bösewicht. Regisseur Robert Siodmak, der ihn 1957 für den Film Nachts wenn der Teufel kam als Massenmörder Bruno Lüdeke engagieren wollte, mußte Adorf erst beibringen, "beese, richtig beese" zu schauen (Siodmak sprach einen unverkennbar sächsischen Dialekt). Mario Adorf erhielt zahlreiche Preise und Auszeichnungen, darunter den Deutschen Bundesfilmpreis, die Goldene Kamera und das Große Bundesverdienstkreuz.

Zum 75. Geburtstag des Schauspielers und Autors widmet ihm das Filmmuseum Düsseldorf die erste umfassende Ausstellung, die vor allem durch zahlreiche Leihgaben aus dem Privatarchiv Mario Adorfs möglich wurde. Fotos, Plakate, Requisiten, Video‑ und Hörstationen sowie Bücher vermitteln einen Überblick über Adorfs gesamtkünstlerisches Schaffen, in dessen Mittelpunkt seine Wandlungsfähigkeit steht. Exkurse zu weniger bekannten Themenbereichen wie Adorfs Jugendzeit im Eifelstädtchen Mayen oder seine Anfänge als Schauspieler an den Münchner Kammerspielen von 1955 bis 1962 zeichnen die Entwicklung seiner künstlerischen Persönlichkeit nach.